conférences

Passionné par l’image dans toutes ses dimensions, le travail de Mathieu Dufois est ancré dans la notion même de temporalité. D’abord attaché au dessin, il mêle maintenant celui-ci à la photo, la vidéo, ou encore la maquette. L’important est de faire ressortir le mouvement, le temps présent, l’instantané dans le déroulé de l’action. Il utilise des séquences cinématographiques et autres images d’archives comme interface pour ausculter ces époques fanées. S’ensuit une transcription de l’image en dessin, qui lui permet de décrypter une temporalité passée, et surtout ce qu’il en reste.

La peinture d’Eva est figurative. Ce réel proposé au premier regard se révèle vite de l’ordre du simulacre : des non-choses, des non-lieux, qui génère vite une perception de l’entre-deux qui nous amène à regarder, à nouveau, à chercher sur et dans le tableau où poser notre pensée. Elle maîtrise son médium : maniant la photographie, la sérigraphie, l’impression, le pigment, la réserve, elle accepte les aléas des techniques qu’elle associe pour la réalisation de son image sur la toile.

Myriam Mihindou développe un langage plastique pluridisciplinaire, travaillant aussi bien la photographie que la performance, la vidéo que le dessin ou la sculpture. Au gré de son nomadisme, du Gabon à l’île de la Réunion, de l’Égypte au Maroc, son oeuvre se nourrit de ses rencontres géographiques, culturelles. Hautement autobiographique, son processus créatif sonde la mémoire, l’identité, le corps social politique et sexuel.

Anne-Laure Sacriste peint des paysages nocturnes, parfois inquiétants, toujours fluides, souvent d’après une réalité observée avant d’être synthétisée par un prisme qui lui est propre, à la fois romantique et formel. Elle peint aussi des reflets, des scintillements, des brillances, jouant sur les surfaces miroitantes, sur la lumière qui transforme l’objet que l’on voit… Ce sont ses «Paradis Artificiels».

Anne-Laure Sacriste distille ses références – plastiques, musicales ou littéraires, les images de paysages et de lumières qui lui sont restées telles des persistances rétiniennes – au travers d’installations complexes qui jouent sur une reconstruction possible mais aléatoire, fantasmée, inachevée à jamais…

Valérie Da Costa

«[…] A première vue, les dessins de Guy Oberson se donnent à voir dans un brouillage informe qui n’en rend pas toujours évidente la lecture. Il y va d’une épiphanie comme il en est d’une image qui lentement apparaît à la lumière rouge de la chambre noire en surface d’un papier photographique trempé dans un bac de révélateur. Petit à petit, l’image gagne en densité, puis en valeur, enfin se précise pour prendre finalement forme. Comme si le motif ne se délivrait au regard qu’à la condition qu’on lui accorde le temps nécessaire à sa définition. En quelque sorte, les dessins d’Oberson exigent qu’on les appréhende de l’intérieur, dans le dedans de leur matière afin d’en embrasser l’espace. Aussi le regard qui s’y porte doit s’y consacrer pleinement, en durée, aux risques sinon de ne pas vivre ce qui est à voir. Il convient ici de dépasser la surface des choses, d’aller de l’autre côté de l’image pour mesurer au plus juste ce qu’il en est de sa réalité. […] »

Philippe Piguet

Thomas Tronel-Gauthier convoque, par le biais d’une pratique artistique maîtrisée, toute en finesse, le rapport fondamental, quoiqu’enfoui la plupart du temps tout au fond de notre mémoire collective, que nous entretenons avec le monde physique qui nous abrite.

Formé aux disciplines plastiques comme aux « Arts and Crafts », il capture avec une expertise d’entomologiste la temporalité des multiples et infimes incidences des phénomènes naturels qui nous entourent pour en fixer les métamorphoses éphèmères sous des formes et des matières aussi diverses que plastiquement accomplies : sculptures, gravures, peintures, films. […]

Ann Hindry

« Sous l’intitulé « Fantasmagorie du monde », Guillaume Talbi nous propose de nouvelles facéties plastiques autour et à travers sa pratique singulière du dessin et de la sculpture. Et si pour l’artiste « Représenter, c’est inventer des formes et leur donner un corps dans l’espace pour engager comme une conversation », cette conversation ininterrompue qui fonde son œuvre se développe autant entre les œuvres et le public qu’entre les formes et les lignes elles-mêmes. Elles se toisent, se frôlent, s’épousent, se clonent, s’hybrident, voire même déteignent l’une sur l’autre. Ainsi que le souligne Stéphanie Le Follic-Hadida, il y a quelque chose du blasphème chez Guillaume Talbi, de l’incongru, de l’inconvenant, mais son anormalité tout comme l’énormité qu’il nous propose – et qu’auraient salué un Dubuffet comme un Dietman – apparaît immédiatement salutaires, permissives et heureuses. Conçues et réalisées pour la plupart au pays du soleil levant, elles témoignent de formes, de motifs, de couleurs, de matières tout à la fois tendres et acides, souples et affirmées, telles que celles que l’on peut croiser dans l’espace contemporain japonais. Tout y est donc joyeux, vif et coloré autant que dense, profond et subtil. Et une nouvelle fois l’artiste nous prouve avec humour et délicatesse que le plaisir nait le plus souvent de la surprise et de l’invention. L’œuvre de Guillaume Talbi est sans nul doute une de ces voies nouvelles qui préfigurent ce que seront les écritures les plus pointues et les plus radicales de l’art de demain. »

Marc Donnadieu 

« Dedans, c’est trop beau pour être vrai. Dehors, c’est apaisant.

Je n’invente aucun des lieux que je peins. Je suis habitée par eux.
Ils me hantent avec leurs histoires. Ce sont des lieux de possession, de souvenir latents.

Ils me pétrissent d’une vision fantasmagorique que je transpose en peinture.
J’y entre comme on entre dans un temps suspendu.
Les peintures participent à une suite logique de mon travail, comme un voyage quasi initiatique.  Depuis 2015, l’environnement paysagé est celui d’un lieu plus exotique dont je ne donne jamais la source géographique précise. Les tableaux sont volontairement grands ou du moins à taille humaine. Ils sont peints jusque sur la tranche.

Vous y êtes physiquement intégré dedans : une altération de notre vue du monde, un rêve des possibles si attirant qu’il ne peut rester réel.
Là, au milieu des peintures, vous n’êtes ni dedans ni dehors.
Vous êtes l’acteur de ce que vous voyez. Il n’y a personne d’autre.
L’architecture est froide, souvent rigide, peinte à l’aide de scotch pour que rien ne déborde. Le travail est rigoureux. A l’inverse, la nature, je la rajoute, libre de gestes mais précis dans leurs touches, de feuilles qui virevoltent et de plantes luxuriantes, d’oiseaux presque empaillés… Mais à bien y regarder, elle envahit ces décors de manière troublante. »

Marion CHARLET –  septembre 2015

Diplômé de l’école nationale supérieure des beaux-arts, Jérôme Zonder est passionné de dessin. Fou de Dürer et d’Ingres autant que d’Otto Dix et de Hucleux. Ce choix quasi exclusif s’est d’évidence imposé à lui il y a une quinzaine d’années parce que c’était à ses yeux un espace lui permettant plus de liberté et de justesse quant à son intention de vouloir figurer le monde. Pour lui, à la différence d’autres modes, le dessin est un exercice limite qui l’oblige à pousser jusqu’au bout ses capacités plastiques. (…)Travailleur acharné, Jérôme Zonder affectionne occuper l’espace et rien ne l’enchante plus que d’avoir à se mesurer à lui en l’envahissant tous azimuts, du sol au plafond le cas échéant. « Le dessin prend alors son autonomie, ce n’est plus moi qui décide et c’est là où ça vibre. »

Philippe Piguet

Diplômé de l’école nationale supérieure des Beaux-Arts, Jérôme Zonder est passionné de dessin. Fou de Dürer et d’Ingres autant que d’Otto Dix et de Hucleux. Ce choix quasi exclusif s’est d’évidence imposé à lui il y a une quinzaine d’années parce que c’était à ses yeux un espace lui permettant plus de liberté et de justesse quant à son intention de vouloir figurer le monde. Pour lui, à la différence d’autres modes, le dessin est un exercice limite qui l’oblige à pousser jusqu’au bout ses capacités plastiques. (…) Travailleur acharné, Jérôme Zonder affectionne occuper l’espace et rien ne l’enchante plus que d’avoir à se mesurer à lui en l’envahissant tous azimuts, du sol au plafond le cas échéant. « Le dessin prend alors son autonomie, ce n’est plus moi qui décide et c’est là où ça vibre. »

Philippe Piguet

Réputée pour son indépendance et son absence de compromis, Anne-Lise Coste privilégie la spontanéité du geste et la liberté d’expression. Aérosol en main, elle écrit, dessine, trace, gicle et éclabousse sur la toile avec impulsion un langage visuel coloré, dense et frappant.

Un dessin automatique au service d’une critique juste de notre monde et du questionnement du soi qui nous concerne tous.

« La pratique artistique de Damien Deroubaix est marquée par une grande diversité de formes et de techniques : peinture à l’huile, aquarelle, gravure, tapisserie, panneaux de bois gravés, mais aussi sculpture et installation. À cette variété formelle répondent des sources et des références des plus éclectiques, cohabitant souvent au sein de ses œuvres dans un esprit qui n’est pas sans rappeler celui, iconoclaste, des montages Dada. Des motifs empruntés aux danses macabres médiévales s’y mêlent à des évocations de chapitres tragiques de l’histoire contemporaine ; des images d’actualité y côtoient la mythologie ou le folklore ; l’histoire de l’art et la scène musicale metal s’y télescopent. Ouvertement expressionnistes, ses peintures convoquent bien souvent des thèmes apocalyptiques, et c’est peut-être ce qui les rend si intemporels. »

Galerie In-Situ, Fabienne Leclerc